Pacific Rim - "Pacific Rim" o Pacific Ring

"Pacific Rim" ("Titanes del Pacífico" Argentina/Latinoamérica - "Pacific Rim" España) - (2013 - EEUU - Color - 131 min.)

Una raza de terribles y enormes monstruos llegan a la tierra por un agujero interdimencional ubicado en el océano Pacífico. La última barrera que le queda al hombre entre su aniquilación y la supervivencia es de combatirlos con un grupo de robots operados internamente por seres humanos.

Dirigida por: Guillermo del Toro - Protagonistas: Charlie Hunnam y Diego Klattenhoff.

Pacific Rim viene de la mano del mexicano Guillermo del Toro, un director que a base de esfuerzo e imaginación supo escalar los peldaños del siempre difícil mundo de Hollywood hasta lograr convertirse en una de los referentes del cine fantástico contemporáneo. Aquí vuelve con "Pacific Rim", un espectáculo pochoclero a la altura de las nuevas necesidades que parece afrontar la industria del cine norteamericano para tratar de competir en un mundo plagado de dispositivos de entretenimiento digital. La película Pacfic Rim de por sí funciona como una droga, entretiene, es fácil de digerir como pasatiempo y no recarga la atención del espectador salvo en el apartado visual, pero desaparece de la cabeza como un mal recuerdo apenas dejamos la sala de cine. Ahora como cine puro, y no lo digo necesariamente como "pensante" o intelectual, es todo un fracaso. Uno comprende de las características y la génesis natural del cine como vehículo de entretenimiento pero lo entiende y lo acepta dentro de las reglas implícitas del convencionalismo fotográfico, en cambio en la película que nos interesa hay un quiebre total de dichas reglas. El tema no pasa tanto por lo argumental, donde a pesar de las falencias, el film entra en la bolsa del montón sino mas que nada en lo visual y en el diseño de producción. Uno no pide la construcción de escenarios dignos de superproducciones como Cleopatra o de planos generales extraídos de una película de John Ford, lo único que ruega es una cierta apariencia de realidad y eso es lo que realmente falta en este film. Es que a pesar de lo logrado de los escenarios digitales, toda la película es un derroche exagerado de personas trabajando sobre telones verdes y en planos construidos absolutamente, incluido con elementos de primer plano que pueden y deben ser convencionales, con tecnología CGI.

Mas allá de los errores o defectos que uno pueda achacarle a la película, lo más interesante es que la misma funciona como un excelente testigo de lo que nos depara el mundo del cine. Sirve para ver como las nuevas tecnologías digitales se fusionan  para crear un espectáculo en 3D con una estética mas parecida a un juego de PS3 o Xbox que a un film tradicional, lo que demuestra una cambio en el séptimo arte que intenta luchar no solo contra su antiguo rival, sino contra un mundo plagado de dispositivos de entretenimiento. Ahora si de luchar hablamos, es hora de evaluar un poco el film. Pacific Rim, como dije en el primer párrafo, es divertida y es una total adaptación norteamericana al género japonés del Kaiju cuyo exponente más famoso es el legendario Godzilla, El Kaiju como género no solo implica la aparición y desarrollo de historias relacionadas con lucha entre monstruos gigantes sino que también recibe y se hace apreciable cierta influencia del cine catástrofe, algo que muchos críticos explican como una reminiscencia implícita a las devastadoras consecuencias sufridas por el pueblo japonés en manos de las dos bombas atómicas arrojadas sobre su territorio. Por supuesto que estas ideas no están ni siquiera sugeridas en la película cuyo propósito fundamental es divertir al espectador y el film solo se dedica a mostrar unas muy bien coreografiadas luchas entre los Robots gigantes comandados por los humanos y los monstruos alienígenas que intentan invadir la tierra.

Pacific Rim no es buen cine, pero seguro que divierte y cayendo en el facilismo de dejar el cerebro en la butaca de al lado resulta un claro ejemplo como vehículo de entretenimiento. Ahora donde realmente sí funciona de una manera ciertamente educativa es cuando se expone como testigo de las nuevas formas, digamos, “no tradicionales” de hacer cine, y no solo eso sino que si prestamos atención vamos a poder apreciar, aparte de robots y monstruos gigantes que se despedazan entre sí, a la nueva forma en que Hollywood va luchar contra sus propios monstruos como son los videojuegos, los contenidos multimedia interactivos y su mas viejo rival, la televisión.

Mi puntuación: 05/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1/4 - Bluray Zona A/B - Warner Bros.. Con subtítulos en español

 

Side Effects. - Un mal remedio.

"Side Effects" ("Efectos colaterales" Argentina/Latinoamérica - "Efectos secundarios" España) - (2013 - EEUU - Color - 106 min.)

Una joven con una depresión recurrente decide probar con un nuevo medicamento que promete una cura salvadora. A pesar de los buenso resultados de la droga, los efectos secundarios son , aparentemente, tenebrosos.

Dirigida por: Steven Soderbergh - Protagonistas: Jude Law, Rooney Mara y Catherine Zeta-Jones. 

Se dice que en el cine, como en casi todos los aspectos de la vida, no hay nada nuevo bajo el sol. Casi todos los tópicos y las variaciones que se pueden plasmar en la pantalla grande fueron tratados en algún que otro momento por algún que otro director. Por lo cual se dice que la gran magia del séptimo arte pasa por la mejor manera de manipulear y esconder la respuesta de la famosa pregunta sobre “de que se trata” del film que al tema tratado en sí. Aquí, en la película que nos interesa, Steven Soderbergh, un tipo de la generación del video que se hizo famoso precisamente con “Sex, Lies, and Videotape”, nos muestra que de que a pesar del aspecto nervioso y  moderno de sus cintas es todo un director clásico en lo que a lo narrativo se refiere; es que “Side effects” resulta muy efectiva en su primera parte donde el director trata constantemente de esconder la jugada y logra de esa manera engañar y mantener la atención del espectador por un buen tramo del film. Porque hay que se claro que en el segmento inicial “Side effects” se debate, en apariencia, entre una película testimonial sobre las adicciones a los psicofármacos, un drama sobre la depresión o una historia de amor que trata de vencer los obstáculos de la vida.

Pero es en la segunda parte donde el director baja la mano y muestras sus cartas para darnos cuenta que todo ese laberinto de géneros solo funcionaba como cortina para esconder el verdadero corazón de la película que no es mas que un film noir. En el mismo moento que nos damos cuenta de que trata es cuando la producción toma los caminos habituales, y es en este justo instante donde la mayoría de los artesanos usuales de Hollywood caerían en los tópicos comunes y harían decaer el interés en el film. Pero Soderbergh muestra su calidad y logra salir bastante bién de la prueba a pesar de algunas imperfecciones del film como puede ser un final algo trillado y un desarrollo en la segunda parte, tal vez, algo apresurado.

“Side effects” es en general un buena elección para ver cine, cuenta con actuaciones de buen nivel como la de Rooney Mara y otras como la de Jude Law, que a pesar de sus limitaciones, acompaña bastante bien. Pero queda claro que las actuaciones resultan eclipsadas por un relato bien planteado, con un uso acertado de los tiempos y con varios giros inesperados que logran mantener el interés sobre el libreto escrito por Scott Z. Burns.

Es decir contemos, unas buenas actuaciones, un buen libreto y una excelente fotografía en digital de New York. Acaso, se le puede pedir mas al cine de hoy?

Mi puntuación: 07/10
 

Disponibilidad:
DVD Zona 1/4 - Bluray Zona A - Universal Studios.. Con subtítulos en español

Oblivion - Ciencia ficción para nostálgicos.

"Oblivion" ("Oblivion: El tiempo del olvido" Argentina/Latinoamérica - "Oblivion" España) - (2013 - EEUU - Color - 124 min.)

Un grupo de humanos intenta retirar los últimos recursos naturales que quedaron sobre la tierra abandonada después de una sangrienta guerra con alienígenas. Pero ciertas señales les demostrarán que tendrán que tener cuidado porque posiblemente no estén solos.

Dirigida por: Joseph Kosinski - Protagonistas: Tom Cruise, Morgan Freeman y  Olga Kurylenko.

Oblivion es una inteligente y correctamente planteada película de ciencia ficción que tiene la virtud de  escapar a la mediocridad del género que nos viene acostumbrando Hollywood últimamente. Es que desde hace un tiempo a esta parte el género de la ciencia ficción dura (aquella con un cierta viabilidad científica) parece haber desaparecido de las carpetas de productores y estudios para dejar en su reemplazo films que sino acaban rozando con la fantasía mas pura, terminan decantándose directamente en un perfil sumamente infantil. Obvilion, más allá del resultado artístico final, devuelve el placer de ver ciencia ficción “seria” tal cual lo había hecho Prometheus en el 2012. Aquí nos encontramos con una tierra devastada por la guerra entre terrícolas y extraterrestres, en donde un grupo de guardianes del planeta intenta recuperar los recursos naturales para poder luego enviarlo a las colonias terrestres en el espacio donde subsisten los escasos sobrevivientes del conflicto. Hasta este punto el relato funciona como cualquier cuento convencional de ciencia ficción, pero la acertada inclusión de algunas imágenes oníricas a modo de flashbacks que percibe el protagonista  en sus sueños empiezan a sembrar dudar sobre la legitimidad y la concepción del universo que habita. Obvilion es interesante desde varios ángulos, primero funciona como una película de autodescubrimiento en donde Tom Cruise duda de su condición actual en el mundo a causa de los recuerdos que fluyen en sus sueños y es este camino de encontrarse a si mismo el que lo lleva a vislumbrar que es un engranaje mas de un universo diametralmente al que vive todos los días.

Lo segundo y por eso no menos interesante es que todo el film respira un cierto tufillo a película de ciencia ficción setentona, y no es esto una acotación con aire de crítica, si no todo lo contrario, ya que nos encontramos con una película rodada con pocos actores, con parajes desolados que resultan sumamente inquietantes y con los efectos especiales (que no son pocos) presentados sin desbordes y en los momentos necesarios logrando un clima de inquietud que se transmite fácilmente al espectador. Uno tal vez puede criticar un par de puntos al film como es el cierto aire a refrito a película de Philip K. Dick o la falta de decisión del director para desarrollar la trama sobre un terreno más fértil como es el que se presenta cuando el protagonista sufre su revelación. Así y todo Obvilion resulta interesante porque mantiene el suspenso apropiado para mantener el interés, tiene sus escenas de acción bien planteadas  y aunque le falte un poco de “pimienta” al desarrollo, termina resultando un film relativamente redondo y sobre todo serio sobre ciencia ficción.

Mi puntuación: 06/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Universal Studios. Con subtítulos en español

Dark Skies - Cielos Oscuros e historias no muy claras,

"Dark Skies" ("Los Elegidos" México/Latinoamérica - "Dark Skies" España) - (2013 - EEUU - Color - 97 min.)

Una familia que habita los suburbios de una ciudad es amenazada en las noches por uan malévola fuerza de un aparente origen extraterrestre.

 Dirigida por: Scott Stewart - Protagonistas: Keri Russell y  Josh Hamilton.

Sobre los géneros de cine se puede decir que: los Western clásicos desaparecieron casi por completo en la década del 70. Las películas de "guerra" fueron perdiendo su presencia desde que la guerra de Vietnam empezó a transitar los caminos del olvido. Del policial "noir", que monopolizo Hollywood por años, solo queda algún que vestigio esporádico en forma de thriller y no se refleja casi en nada con el mutado policial actual. Pero si hay un género que nunca bajó su producción en todas las décadas, principalmente a consecuencia de sus adeptos, es el del cine de terror.

Dark Skies es una muestra moderna de ese cine de terror y de lo poco que ha evolucionado en su desarrollo más allá de sus cambios iconográficos. En esta película nos encontramos con una familia aparentemente normal que es asediada en su hogar por una fuerza sobrenatural de un supuesto origen extraterrestre. Esto de transmutar la iconografía religiosa-demoníaca en algo alienígena es lo único que diferencia las viejas historias de terror gótico con este moderno film. Y esto, en realidad, no es nada novedoso porque esa reformulación de mitos parte desde la década de los ’60 del siglo pasado y su punto de origen es la supuesta abducción del matrimonio Betty y Barney Hill en New Hampshire durante la noche del 19 de septiembre de 1961, llevada años después al cine, donde se popularizado el inconsciente popular, por el telefim “The UFO Incident” madre moderna de todos los terrores del espacio exterior.

En “Dark Skies” nos encontramos ante una familia común que vive en un barrio suburbano y que padece ciertos problemas económicos, empieza a sufrir la invasión de una fuerza extraña en el menor de sus miembros. Relatado de esta forma no cambia mucho de una descripción superficial de la trama de películas como “The Exorcist” o “Poltergeist”, y es que en esencia la similitud narrativa con estos dos clásicos del cine no es solo como testigo del limitado campo del cine de terror sino que también de lo acotado del director para crear la historia y desarrollarla después. Es que ese tufillo que tiene el film a pastiche o a cosa ya vista invade toda la película quitando cualquier ingrediente de creatividad que pueda uno imaginar a priori, haciendo que este collage de ideas reste y minimice los puntos aceptables que tiene el film, especialmente en su primera parte.

Dark Skies cumple, para bien,  perfectamente con la regla del cine de terror donde sacando el componente fantástico uno se encuentra ante una historia común, en este caso el drama de una familia en crisis, también es destacable como el director recurre en forma inteligente a un uso escueto de los efectos especiales con la idea de mostrar poco y generar mucho clima. Esto es apreciable especialmente  en el primer segmento del film  en donde el relato se muestra intrigante y con un aceptable buen ritmo. Pero, lamentablemente, lo bueno dura poco y es cuando el nudo de la película empieza a decantar el momento en que los lugares comunes asoman y los “homenajes” al resto de los films del género invaden el metraje. En síntesis, Dark Skies funciona bien por un rato, pero luego su falta de técnica para generar climas no logra ocultar los agujeros de lógica que llenan el film (uno se pregunta, por ej. porque eligen a esa familia en medio de la ciudad en lugar de un lugar mas aislado) o también la disoluble progresión dramática que terminan con un twist ending (vuelta te tuerca) que no es tal.

Dark skies, es para ver si no tiene otro programa, asusta un poco (no mucho), pero tiene serias deficiencias de guión que terminan tirando por la borda un film del que uno tiene la sensación que hubiese podido ser mas serio y por sobre todo mucho mas oscuro.

Mi puntuación: 05/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Starz / Anchor Bay. Con subtítulos en español

Dead Man Down - Acción y Corazón

"Dead Man Down" ("Marcado por la muerte" México/Latinoamérica - "La venganza del hombre muerto" España) - (2013 - EEUU - Color - 118 min.)

Un reconocido criminal intenta descubrir quien es la persona que está tomando uno a uno las vidas de los integrantes de su banda. Pronto descubrirá que la situación es mas compleja de lo que imaginaba.

Dirigida por: Niels Arden Oplev - Protagonistas: Colin Farrell, Noomi Rapace y Terrence Howard.

Dead Man Down, es el debut en Hollywood del realizador danés Niels Arden Oplev, reconocido en el mundo del cine internacional por dirigir el famoso triller europeo "Män som hatar kvinnor" ("Los hombres que no amaban a las mujeres") cuya reconocimiento despegó a nivel mundial luego que  David Fincher decidiera realizar su versión cinematográfica partiendo de la versión danesa y de la novela "The Girl with the DragonTattoo" ("La chica del dragón tatuado").
Aquí el director europeo encara una historia que es en realidad un camino de desgracias, un lugar lleno de personajes perdidos, pero sobre todo grises, que habitan en barrios aún mas oscuros y tenebrosos para terminar conformando una ciudad tenebrosa. Este decadente y lúgubre escenario solamente cumple la función de una máscara que esconde uno de los temas mas trillados de la historia del cine contemporáneo, y es nada menos que el cine de venganza, no hace falta mucho mas que pelar un par de capas para darnos cuenta que el corazón mismo del relato es tan simple como el sendero de la justicia por mano propia, Y es ante ese escenario tan simple y trillado en donde el director demuestra algunas de sus cualidades artísticas. Es que Niels Arden Oplev logra confundir al espectador dejando a todos los personajes en una zona gris que impide identificar de una forma simple lo primero que busca el público en un relato y es el de saber quien son los “buenos” y quien los “malos”. Este artilugio en la puesta en escena resulta sumamente efectivo para extender el prólogo del film y encubrirle al público sobre el verdadero nudo y sentido de la trama. Y es también en esta parte donde el director toma lo jugoso de unos personajes que se parecen moverse constantemente entre el bien y el mal y generar cierta empatía con el público a pesar de no mostrarse simpáticos ni cordiales. Luego ya entrado en el relato y cuando las cartas están echadas sobre la mesa en donde el film empieza a tomar los caminos habituales de este tipo de cine, porque la violencia y la acción gana la pantalla y el clima intimista que había edificado inteligentemente el director en la primera parte se empieza a diluir llegando a un lugar final lleno de clishés.
Dead Man Down, termina siendo casi una reformulación del viejo cine policial negro, en donde hay mucho mas de fuerza humana, de relaciones interpersonales y de suspenso latente que muestras de acción. Esto no es solo mérito del escritor sino también de un director responsable y capaz de generar la atmósfera y la química de dos personajes quebrados que se ayudan el uno al otro para sobrevivir en un mundo que los llenó de obstáculos.
“Dead Man Down” funciona y es tipificada casi exclusivamente como cine de entretenimiento y es por eso que pasó desapercibida para la mayoría de los especialistas de cine que terminan alineando el film al grupo de películas filmadas por actores como Steven Seagal o Jean Claude Van Damme. Pero este es un grueso error porque más allá de los lugares comunes o de un final que sí o sí desbarranca parte de trabajo dramático tan correctamente formulado en la parte inicial del metraje, “Dead…” es una película que trata sobre personas sin estrella ni suerte, un film bien armado que demuestra que el danés es un buen director de actores y generador de climas, y cuya suficiencia estética no solo le permite construir una historia con interesantes giros dramáticos sino también que logra exponer que mostrando el lado humano de la historia puede ser igual o más de cautivante que la acción pura. 

Mi puntuación: 07/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Sony Pictures Home Entertainment. Con subtítulos en español

Argo - Hollywood vs. Irán.

"Argo" ("Argo" Arg./Latinoamerica/España) - (2012 - EEUU - Color - 120 min.)

Seis personas se escapan durante la toma de la embajada de EEUU en Irán para refugiarse en la casa del embajador de Canadá, esta película narra el extravagante plan urgido por la CIA para hacer regresar a su país a este grupo aislado en un territorio que le es hostil.

Dirigida por: Ben Affleck - Protagonistas: Ben Affleck, Bryan Cranston. John Goodman y Clea DuVall.

Argo es la nueva película de un Ben Affleck que recurre nuevamente al doble papel de protagonista y director. En el rol de actor son pocos los que desconocen las escasas virtudes del esposo de Jennifer Garner, pero como director la cosa es distinta ya que había mostrado más que auspiciosas credenciales en el drama policíaco "The Town". Aquí Affleck se encarga de redescubrir una historia real ocurrida en Irán durante fin de 1979 y principio de 1980 época en que los grupos paramilitares que respondían a Ruhollah Jomeini eran parte estructural de su gobierno y entre los y entre sus “excesos” figura la toma de la embajada de EEUU en ese país, y el hecho de hacer prisioneros de guerra a todos sus ocupantes. El director coincide en  regresar a una  producción con aire de la vieja escuela de Hollywood;  tal cual antes lo había hecho con de "The Town" que funcionaba como replanteo del policial negro de la década de los '50, en un juego donde se desarrolla la ejecución planificada de un robo a un banco, ahora en "Argo" se revela de pies a cabeza como un clásico film de espías que tanto ocupó al cine durante la guerra fría. La película en sí no duda en utilizar todos los clichés propios del género, argumentalmente  tenemos a los protagonistas en el medio de un territorio hostil rodeados de una abrumadora fuerza que controla caminos y accesos y donde ellos juegan sus cartas intentando pasar los controles y poder regresar a su país a cualquier precio, ya con eso nos basta para identificar claramente al film entre el género que tuvo su esplendor en plena durante la vigencia de la “cortina de hierro”.

Ahora, las herramientas narrativas que utiliza Affleck desde el principio en Argo no son revolucionarias ni tampoco reformulan el género, pero si son lo bastante interesantes como para mantener la atención del espectadores en todo el metraje; ya desde el comienzo el film arriesga la lógica narrativa recurriendo a una animación típica de comic que funciona como un preámbulo de la historia de Irán y que tiene como objeto el hacernos entender el porqué de tal nivel de agresión de sus pobladores hacia los extranjeros y en especial hacia los norteamericanos. Esta parte  de la película es en donde el  contenido político se muestra mas  jugoso y a su vez imparcial, alejándose de los estereotipos sobre los países orientales a los que nos suele tener acostumbrado Hollywood; lo que sigue es la parte mas tradicional del film y la que ocupa casi todo el metraje, un espacio en donde las autoridades iraníes, y aquí el director hace la salvedad diferenciándolos del pueblo, asumen todo el papel malévolo que uno puedo imaginar. Algo que desde la construcción del relato no está para nada mal, ya que cumple el cometido de reforzar la identificación del espectador con los empleados de la embajada ocupada los cuales son mostrados como simples trabajadores en un mal momento y en un mal lugar. Pero lo mas interesante de la película es lo, aparentemente, alocado del plan para rescatar a los rehenes, en donde nos encontramos a un Ben Affleck simulando producir y financiar un film de ciencia ficción (época donde el género resurgió a la sombra de Star Wars) del cual desean rodar en algunas locaciones en Irán, con la idea de hacer pasar los rehenes como parte del equipo de producción y de esta forma poder permitir su fuga. Lo de "aparentemente" alocado del concepto no es tan así como se presume, porque si hay una industria que es mas famosa, mas aceptada universalmente y que retorna mas dinero EEUU que la armamentística, es sin dudas la de Hollywwood, y que mejor elección para encubrir una operación de rescate. Es en este segmento, digamos el de la preproducción, donde la película sale un poco del papel habitualmente oscuro y tenso de los Films de espionaje y se muestra algo descontracturado al exponer el funcionamiento, muchas veces cínico de la industria del cine, un segmento que a pesar de tener mucho humor negro tiene un aire inconfundible a homenaje de la meca del cine. El resto del film consiste es la ejecución del plan de fuga, a lo que Affleck responde filmándolo en forma clásica y recurriendo a todas las situaciones básicas de este tipo de película como son los momentos de tensión, las fallas en el plan y los acostumbrados interrogatorios de rigor con que las fuerzas de seguridad suelen someter a los protagonistas.

Argo es un film clásico de espías muy al estilo que nos tenía acostumbrado Hollywood durante la guerra “fría”, lo es desde lo conceptual y desde el mensaje político (como en el momento donde se sugiere al presidente Jimmy Carter como un blando), tiene una excelente reconstrucción de época que sirve para profundizar la seriedad y el clima del film, pero falla levemente en el ritmo en donde muchas veces cae en un pozo que le cuesta salir y también en el juego de cámaras cuando se lo presenta en su rodaje en forma mas parecida un film moderno o a la serie 24 que al alma de film de los ‘70 que tiende a emular. Igual es una película entretenida, bastante eficiente en el manejo de la tensión y sobre todo merecedora de ver por dos razones, la primera por ser una muy seria candidata al Oscar y la segunda por reflotar un género que se encuentra casi al borde de la extinción.

Mi puntuación: 07/10

Disponibilidad: En cines.

Flight - Un film con poco vuelo.

"Flight" ("El vuelo" Arg./Latinoamerica/España) - (2012 - EEUU - Color - 138 min.)

Un piloto con problemas personales salva a toda aeronave de un accidente seguro en una maniobra que pocos personas hubiesen podido realiza. Sin embargo su acto heróico queda en duda debido a su condición fíisica y emocinal y seró puesta en juicio a pesar de haber salvado cientos de vidas humanas.

Dirigida por: Robert Zemeckis - Protagonistas: Denzel Washington, Kelly Reilly. John Goodman y Don Cheadle.

Después de ver “Flight” muchos se pondrán a pensar en lo poco que parece quedar del Robert Zemeckis que deslumbró a Steven Spielberg en los 80 y que además resultó el padre de joyas como “Back To The Future”, uno de los pocas películas que tuvo el homenaje de ser reestrenada nuevamente en cines 25 años después y pasar la prueba con gran éxito. Es que el director aparenta no solo no haber crecido desde "Back..." si no que hasta da ciertos indisios de haber involucionado, porque a pesar de tener producciones en su haber que han arrasado con los Oscars como "Forrest Gump", o recibido una muy buena aceptación en la crítica y el público en producciones como “Cast Away”, sus cualidades artísticas no siempre salen a superficie y muchas veces se hunden o se pierden en películas insípidas como "Contact" basada en la novela homónima del astrónomo Carl Sagan. Su último film "Flight" comienza correctamente haciendo reuso de la una de las mejores escenas de "Cast Away", me refiero mas precisamente a la secuencia del accidente aéreo. En este caso dicho incidente funciona como entrada del film y es justo reconocer que está muy bien construida tanto en el manejo de la tensión como en la técnica fílmica, logrando seguro provocar altos niveles de adrenalina en el público que presencie la película y que en algún momento de su vida haya estado en un avión en una zona de turbulencia. Pero, realmente, para la trama y la progresión dramática, la escena del accidente solo cumple el rol de credencial, es decir que solo funciona como presentación del carácter y la forma de vivir del personaje de Denzel Washington. Después de esos primeros 20 minutos, vuelvo a recalcar, muy bien logrados, lo que sigue no es tan prometedor. Y esto sucede porque la verdadera historia pasa por otra vereda; aquí el tema es inconfundiblemente la enfermedad del protagonista, un Denzel Washington que se  ve afectado en su trabajo, su vida social y su futuro a causa de su problema con el alcohol, resumiendo, lo que vemos en pantalla es un drama puro y real sobre las adicciones. En realidad esto no trangrede ninguna norma del cine en lo mas mínimo, es mas el séptimo arte a abordado seriamente el problema con el alcohol innumerable veces desde la paradigmática "Saturday Night and Sunday Morning" un excelente y adulto film inglés protagonizado por Albert Finney que por primera vez muestra en el cine a los borrachos como enfermos y no como personas divertidas. . Ahora uno de los inconvenientes que presenta la película de Zemeckis pasa mas por las formas que por el tema; sucede que el director encara el film desde la mirada de un drama de televisión al mas puro estilo de "Historias de corazón", y es esto es algo notorio a pesar de que el realizador intenta camuflar la película con escenas de investigación o de elevarla al universo de las películas de juicio (trial movie), en todo caso toda son escenas pasajeras que terminan mostrando a la película con las mismas cartas originales.

No solo estéticamente el film aborda una óptica de TV que incluye estereotipos artísticos como la ausencia de planos largo, sino que la trama afronta los defectos constructivos que suelen aquejar a este tipo de films. En nuestro caso tenemos, por ejemplo, el papel de Kelly Reilly que se presenta y demuestra tener todos los antecedentes para funcionar como catalizador del protagonista pero luego en mitad del film la joven desaparece abruptamente sin dejar mas rastros en la obra, casi como si hubiese finalizado su contrato. Igual la suma de todos estos defectos sigue siendo casi anecdótico en comparación al real problema que conlleva la película y que consiste en el enfoque naif con que ilumina Zemeckis a toda su realización. Uno como espectador espera que ante un hecho de tal magnitud y con tantos factores de poder involucrados como ser sindicatos, compañías aéreas, empresas de seguro, damnificados con demandas millonarias y agencias de seguridad aérea, esto se convierta en un terreno fértil para el desarrollo de conspiraciones y pactos entre las organizaciones que conviven con intereses cruzados,  cuanto menos sus protagonistas disparen alguna que otra mentira para intentar salvar su  pellejo; pero en contra de todas estas predicciones los personajes se mueven absolutamente dentro de la ley sin emitir una sola falacia a pesar de que ello los conlleve a pasar el resto de su vida en al cárcel y lo mas grave para el espectador es que termina por cercenar cualquier camino narrativo interesante que pueda presentar el film.

Flight, no es en conjunto una mala película porque en realidad no aburre durante las dos horas y cuarto de su proyección, tampoco Denzel Washington, que lleva todo el peso del film sobre los hombros, desentona en su papel aunque varias veces caiga en hacer de Denzel Washington mismo, pero lo único que no se le puede perdonar  a un film adulto es que muestre la realidad como si fuese el mundo de las hadas que existe en lo libros para niños y no en la vida diaria, y lamentablemente esta película se parece mas a un cuento para chicos que a un film serio sobre un accidente aéreo.

Mi puntuación: 05/10

Disponibilidad: En cines.

Django - Tarantino amo y señor del lejano oeste.

"Django Unchained" ("Django sin cadenas" Arg./Latinoamerica - "Django desencadenado" España) - (2012 - EEUU - Color - 165 min.)

Un exclavo es liberado por un extraño cazador de recompensas para para que lo ayude a capturar a tres temidos delincuentes, a cambio el exclavo no solo exige su libertad sino, tambien, rescatar a su esposa exclavizada en una plantación.

Dirigida por: Quentin Tarantino - Protagonistas: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Kerry Washington.

Quentin Tarantino es uno de los pocos directores contemporáneos que entra en el exclusivo círculo de los realizadores que son idolatrados por la crítica especializada y a la vez son excelentemente aceptados por el público en la taquilla. Es de esos extraños casos, otro que se me viene a la mente el Hitchcock, al cual no dudan en seguirlo tanto los mas abnegados cinéfilos como el público ocasional que solo quiere pasar un buen rato en el cine; y como testigo de eso solo basta asistir a la proyección de cualquiera de sus películas para presenciar lo heterogéneo del público que contempla sus creaciones. En esta ocasión Tarantino regresa explotando el mítico y "norteamericano" género de los western, un estilo de espectáculo que todavía no había abordado en forma explícita dentro su filmografía a pesar de reconocer personalmente que es uno de los que mas contribuyó en su apego por el cine. Pero Tarantino no es un tipo fácil y su alma provocadora lo lleva a reformular su proyecto de western no  desde el punto de vista norteamericano sino que recurre a la perspectiva del spaghetti-western un subgénero nacido a contracultura de los clásicos de la edad de oro realizados por directores icónicos como John Ford, Howard Hawks o Anthony Mann, genios de las películas del “oeste” que lograron imprimir su sello en los espectadores de los años '40 y '50 hasta convertir al género en el entretenimiento principal del cine estadounidense de la época. El spaghetti-western remite primariamente a los films del género rodados o financiados en Italia con actores de la península o exportados de EEUU, pero es su concepción artística la basa fundamental que los diferencia del western tradicional. Aunque ambas corrientes comparten ese espacio imaginario que es el oeste norteamericano (para muchos uno de los mejores inventos de los EEUU después de las computadoras y la telefonía) las diferencias tanto estéticas como de construcción argumental son notorias. En el caso del spaghetti los personajes se muestran sucios y desalineados en contrapartida de la pulcritud del género tradicional, los encuadres resultan también algo incómodos, con desmesurado uso de planos cortos en contrapartida de los planos largos que nos tienen acostumbrados directores clásicos como John Ford. Pero es en sus historias donde más se separan; el western tradicional por lo general trata sobre crónicas de descubrimiento y conquista de territorios, o en algunos casos basan su núcleo en mantener el orden en un sitio o lugar. En cambio en el spaghetti que es notoriamente influenciado por el cine japonés de aventuras o defensa del honor (Jidai-Geki) suelen tratar principalmente sobre caminos de venganza o duelos en los cuales el crimen está casi siempre presente. La última producción de Tarantino reflota uno de los clásicos del cine spaghetti como es el  Django de Sergio Corbucci. El Django de Tarantino es un camino de venganza que emprende Jamie Foxx para rescatar a su mujer, y es este camino de venganza el único punto, junto con la violencia,  en común con el film original. Aquí el director de “Reservoir Dogs” suma al protagonista la presencia del excelente actor austríaco “Christoph Waltz” para generar una pareja de maestro/alumno, con cierto aire de reelaboración del Quijote, que constituye la principal herramienta para generar los ingeniosos diálogos y situaciones que nos acostumbra Tarantino.

Ahora, visto preferentemente desde el punto de vista cinematográfico Django no es una película redonda, el film tiene sus altos y bajos y tal vez el mayor vicio que atenta contra su construcción es el excesivo metraje que presenta. Pero a pesar de todos estos pequeños defectos se hace evidente que el director es una persona que sabe de cine y  esto se demuestra en el film con un abanico de  pequeños detalles que contribuyen al resultado sumamente positivo de la realización. Estos detalles, clásicos del director, resaltan en especial en la forma que construye los habitantes de la pantalla, es decir, aquí los personajes principales se demuestran como caracteres complejos y, en cambio, se muestran unidimensionales (o sea absolutamente malos) a los enemigos de los protagonistas; queda claro que esto no es casualidad ni falta de elaboración sino que es una estilo sarcástico del director para aportar cierto aire caricaturesco a la película.

Pero si hay algo que lo destaca a Tarantino y lo separa de la mayoría de los realizadores actuales es el manejo del tiempo; Quentin se toma el tiempo para todo, para mostrar los personajes con diálogos triviales cuando en realidad sirven para construir su perfil, también se toma el tiempo para ingresar a la acción y también para generar el grado de suspenso necesario antes del climax en las escenas importantes. Y esto amigos es la clave del cine, así funcionó y funciona mas allá de que las convenciones narrativas actuales sugieran a los directores trabajar con cortes frenéticos, ritmo alocado de TV e hipersaturación de información, muchas veces esto no sirve para construir una buena historia, y aquí Tarantino lo demuestra claramente dando una clase de buen cine.

Django tiene en general todo lo que un espectador espera del director, quien es el real protagonista de sus películas, es decir: muchísima violencia, los toques necesario de humor negro, la capacidad de crítica social hacia ciertos sectores, los excelentes e ingeniosos diálogos que son un sello de Tarantino y un manejo envidiable del tiempo cinematográfico. Con solo esto y si una piensa que Tarantino empezó como empleado de un videoclub sin grandes estudios en arte, de corazón dan ganas de mandar a muchos directores actuales a que se consigan un trabajo alquilando películas y de paso se miran algunas a ver si aprenden a querer al cine.

Mi puntuación: 08/10

Disponibilidad: En cines.

 

 

Looper - Un lugar extraño.

"Looper" ("Looper: Asesinos del futuro" Arg./Latinoamerica/España) - (2012 - EEUU - Color - 119 min.)

 Joseph Gordon-Levittque trabaja para una organización que se dedica a hacer "desaparecer" personas enviadas desde el futuro. Su última misión se complicará cuando se encuentre con una mujer que le cambiará la forma de ver los valores de la humanidad.

Dirigida por: Rian Johnson - Protagonistas: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt y Jeff Daniels.
Uno de los temas que mas fascina a los cineastas (y al público en general) por lo enigmático y por las bondades narrativas que ofrecen las paradojas es el de los viaje a través del tiempo. Hay en el cine infinidad de películas que tocan el tema, tanto abordándolo desde el lado de la fantasía o por un carril mas serio cuando se aproximan desde la ciencia ficción. Y es justo en este último topic en el que se encuentran las producciones más populares. El tema de los viajes en el tiempo es un campo muy rico dentro de la literatura de la ciencia ficción pero como todas las historias dentro de ese género, las traslaciones temporales muchas veces sirven de vehículo narrativo para exponer contenidos más cercanos a lo humano. Esto de "disfrazar" la verdadera trama es un recurso que también copia Hollywood; en "The Terminator" es casi un pretexto para extrapolar un film de acción, en "Back to the Future" sirve para enmascarar una comedia de enredos ("screwball comedy") y también como película familiar para aprender a entender a nuetros padres y en "The Time Machine" para reelaborar el libro "Two Nations" (1845) del primer ministro británico Benjamín Disraeli en donde relata que las clases sociales altas y baja de Inglaterra eran tan disímiles que funcionaban en todo sentido como dos naciones dentro de un mismo territorio, Looper se pone en el mismo sentido de "Children of men" y utiliza el camino de la ciencia ficción, y en especial el viaje temporal, para reelaborar un drama juvenil. Aquí la ciencia ficción no es mucha e inclusive es mala (los caminos alternativos del tiempo son casi maltratados) y hasta en el film se introducen temas como el de las personas con superpoderes al mejor estilo X-Men, elementos mas propios de la fantasía que de la ciencia dura. Igual este no es el objetivo real del director, porque lo que el realizador desea en verdad es entregar un film sobre las personas, las infancias difíciles y las adolescencias conflictivas y como estas afectan al hombre adulto. En Looper el protagonista es un huérfano adoptado por la mafia que pasa sus días realizando tareas no muy santos para la organización. Este personaje se desenvuelve en un mundo que se presenta impiadoso, tecnificado y notoriamente impersonal, un lugar donde se demuestra que mas que recursos lo que está ausente es el amor y el cariño, Estas son las necesidades humanas que Joseph Gordon-Levittque suplanta recurriendo a las drogas como forma de mitigar la vivencia en ese desdichado lugar. Y es toda esta descripción lo que mueve la trama en la primera parte del film, es decir que se dedica a mostrar las reglas de ese extraño mundo. En la segunda parte todo cambia cuando aparece una joven con su hijo que no solo funcionan como herramientas simbólicas del amor sino que generan en el protagonista el punto de inflexión que lo llevará a su premeditado destino.
Hay que decir que Looper tiene un sabor algo extraño, es una película termina esparciendo melancolía por los cuatros costados después de haber metido en la coctelera un conjunto de ideas robadas de varios films de ciencia ficción. Pero la película en el fondo se revela como una narrativa sumamente singular sobre las relaciones y en especial sobre el amor entre padres e hijos. Mas allá que en la sumatoria final el film se presente como, los ingredientes que le agregan la presencia de Bruce Willis, como broma del director por su papel en "The Kid", y la sorprendente resolución de la historia son razones de peso que justifican mirar la película aunque sea para apreciar la singularidad de como ciertos ensayos disfrazan historias sencillas en envases sumamente llamativos.

Mi puntuación: 06/10

Disponibilidad:

DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Sony Pictures Home Entertainment. Con subtítulos en español. Lanzamiento 31/12/2012.

 

Un 2013 para tomar en serie.

En los canales de EEUU se viene el famoso fin de año, una época en donde los ejecutivos de las emisoras hacen el balance y deciden, a pesar de los fans, que serie de TV continua o no. Aquí vamos a hacer un poco de futurología y tirar la data de que nos depara la TV para el año entrante, esperemos que al menos nuestra serie favorita siga en la lista.

Series que renovaron temporada en el 2013:

2 Broke Girls-(Warner LA)
Blue Bloods-(Liv LA)
Bones-(Fox LA)
Castle-(ABC)
Chicago Fire-(Universal Channel LA)
Criminal Minds-(AXN LA)
CSI: Crime Scene Investigation-(Sony ET LA)
Elementary-(Universal Channel LA)
Glee-(Fox LA)
Go On-(Warner LA)
Grey's Anatomy-(Sony ET LA)
Grimm-(Universal Channel LA)
Guys with Kids-(NBC)
Hawaii Five-0-(CBS-(Liv LA)
How I Met Your Mother-(Fox LA)
Last Man Standing-(ABC)
Law & Order: Special Victims Unit-(NBC-AXN LA)
Malibu Country-(ABC)
Mike & Molly-(Warner LA)
Modern Family-(Fox LA)
Nashville-(Sony ET LA)
NCIS-(AXN LA)
NCIS: Los Angeles-(AXN LA)
New Girl-(Fox LA)
Once Upon a Time-(Sony ET LA)
Parenthood-(NBC)
Parks and Recreation-(Sony ET LA)
Person of Interest-(Warner LA)
Raising Hope-(Fox)
Revenge-(Sony ET LA)
Revolution-(Cinemax)
Scandal-(Sony ET LA)
Suburgatory-(Warner LA)
The Big Bang Theory-(Warner LA)
The Good Wife-(Universal Channel LA)
The Mentalist-(Warner LA)
The Middle-(Warner LA)
The Mindy Project-(Fox)
The Neighbors-(ABC)
The New Normal-(NBC)
Two and a Half Men-(Warner LA)


Series que no renuevan para el 2013:

30 Rock-(Sony ET LA) (Fin de Serie)
666 Park Avenue-(ABC)
Animal Practice-(NBC)
Ben and Kate-(Fox)
CSI: NY-(Sony ET LA)
Don't Trust the B----in Apt. 23-(Fox LA)
Fringe-(Fox LA) (Fin de Serie)
Happy Endings-(Sony ET LA LA)
Last Resort-(AXN LA)
Made in Jersey-(CBS)
Partners-(CBS)
Private Practice-(Sony ET LA)
The Mob Doctor-(Fox)
The Office-(FX channel LA) (Fin de Serie)
Vegas-(CBS)
Whitney-(Liv LA)

Ted - Walt Disney para adultos.

"Ted" (Arg./Latinoamerica/España) - (2012 - EEUU - Color - 106 min.)    

Un niño pide como deseo de navidad que le “regalen” un amigo que lo quiera de verdad. Ese deseo se cumple pero no con la llegada de otro chico sino en la forma de un osito parlante de peluche que se convertirá en su compañero inseparable de toda la vida.

Dirigida por: Seth MacFarlane - Protagonistas: Mark Wahlberg, Mila Kunis y GiovanniRibisi.
Ted llega de la mano de Seth MacFarlane, responsable creativo de las exitosas series de animación "Family Guy" y "American Dad!", contenidos que mas allá de los gustos televisivos de cada uno y de haber nacido bajo la sombra de "Los Simpsons" son modelo ineludibles de humor crítico y bien concebido. Ted resulta en el todo una grata sorpresa, aún considerando el hecho de que a muchas personas les puede resultar algo incómodo el componente de fantasía incluido en forma del osito animado, en realidad en el resultado global no afecta los innumerables puntos positivos de unas de las películas mas redondas del año. Para empezar hay varias lecturas interesantes para hacer sobre el film, primero estamos ante la universal y encantadora historia del niño que no quiere crecer, porque es así, en el fondo el film expone a un hombre que no desea abandonar la vida de adolescente evitando comprometerse en un proyecto “serio” de vida. Aquí el personaje interpretado por Mark Wahlberg que vive como un eterno  joven de 20 años, que se el día mirando películas pochoquleras con su amigo, realizando fiestas en su casa, gastando bromas sin ninguna responsabilidad y menos de tomar en serio su propio empleo. Es esta antítesis del hombre adulto lo que genera una inmediata afabilidad y fuerza al público a identificarse con el personaje, haciendo claro que Mark consigue lo que muchos hombres desean en su interior que no es más que vivir eternamente ese tramo de la vida.
El papel secundario lo cumple el osito Ted que ejecuta una doble función, por empezar es el amigo inseparable de toda la vida del protagonista. Segundo, el peluche, que se comporta con vida propia y se desenvuelve como un humano más, es en realidad un vehículo del realizador para  generar risas y situaciones divertidas basadas en el absurdo general de la circunstancia, cosa que se refuerza por el propio carácter propio del oso que se comporta mas como un amigo fiestero que vive haciendo chistes escatológicos, acosando mujeres, realizando bromas pesadas y organizando salidas divertidas en contraposición de la figura infantil que tenemos de un tierno osito de peluche.
Pero lo más importante de la película no solo pasa por la encantadora historia sino en la forma en que es narrada, y esto es algo que le funciona y le cabe mejor al director que la originalidad de la historia en sí.  Aquí Seth MacFarlane plantea muchas escenas del film al mejor estilo de las viejas comedias que Cary Grant o Rock Hudson hicieron tan populares en los años ’50 y ’60. En una toma, por ejemplo, vemos a la encantadora Mila Kunis que es seguida en una largo plano travelling por la cámara desde que ingresa al edificio laboral, luego camina por entre las amplias oficinas para, sin cortes, terminar dialogando con sus compañeras de trabajo. Esta forma de filmar no funciona como una reinvención de las herramientas visuales del viejo cine sino que adopta la forma de homenaje a las grandes producciones y actores de antaño, escenas que se refuerzan ineludiblemente con una banda de sonido de corte jazzista.
Divertida, romántica, efectiva, muchas veces obvia y tal vez algo escatológica, Ted es una película que funciona bien muy bien como entretenimiento en todos los niveles, si a eso le sumamos que su ritmo no cae durante todo su metraje. Realmente, se puede pedir algo mejor para pasar una noche viendo cine?

Mi puntuación: 07/10

Disponibilidad:

DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Universal studio. Con subtítulos en español.